Desde sus mismos inicios, el cine ha creado obras de arte dignas de compararse con las maestrías de la pintura, música, literatura y teatro. Más allá de eso, el cine está irremediablemente inserto en toda la historia del siglo XX. No solo ha moldeado, sino también reflejado la realidad de la época. El cine dio forma además a las aspiraciones y sueños de personas en todo el mundo.

Este trabajo se centrará en los principales factores históricos y las condiciones que rodearon la historia de la filmación. Sin embargo, también es cierto que resulta simplemente imposible, en una obra de este tamaño, hacer justicia a todos los muchos individuos, tecnologías y procesos que han desempeñado roles destacados en la historia del cine.

La historia no solo es interesante por derecho propio; también puede iluminar con particular claridad cómo funciona el cine como un todo. Este trabajo consta de cuatro partes principales: los Tiempos Tempranos, el Cine Mudo, el Cine Sonoro y el Cine Moderno desde 1960 hasta la actualidad. En cada parte se analiza la historia del cine en general.

En la medida de lo posible, este documento cubrirá cada desarrollo desde una perspectiva internacional amplia. Desde sus comienzos, el cine se desarrolló rápidamente. Lo que en 1890 había sido solo un sueño, ya en 1913 se había convertido en toda una industria.

Las primeras películas eran solo instantáneas en movimiento. Tenían solo un minuto de duración y casi todas consistían en una sola toma. Para 1905, las películas solían tener entre cinco y diez minutos de duración e incluían cambios de escenario y posición de la cámara para crear una historia o mostrar un tema.

Más tarde, a principios de la década de 1910, cuando aparecieron las primeras películas de "larga duración", surgieron poco a poco nuevas técnicas para manejar historias complejas. En ese momento, el proceso de creación de películas se había convertido en sí mismo en un negocio a gran escala.

Oficinas especializadas surgieron, dedicadas especialmente a la realización de películas. Durante la década de 1910, el corazón del suministro se convirtió en Los Ángeles - Hollywood. El cine temprano, desde mediados de la década de 1890 hasta mediados de la década de 1910, suele llamarse "pre-Hollywood". El cine de este período también ha sido llamado preclásico.

De hecho, los estilos de realización cinematográfica comunes en los primeros años nunca han sido completamente desplazados por Hollywood o modos clásicos, incluso en Estados Unidos. Muchas películas continuaron siendo pre-Hollywood o al menos no hollywoodenses en su estilo durante mucho tiempo. Pero es cierto decir que gran parte del desarrollo cinematográfico en los años desde 1906 o 1907 puede considerarse como sentando las bases para lo que más tarde se convirtió en la industria de Hollywood.

Contrariamente a la creencia popular, la historia de la animación no comenzó con la película sonora de Walt Disney "Steamboat Willie" en 1928. Antes de esa película existía una tradición popular, una industria cinematográfica y un vasto número de películas - considerando casi 100 de Disney (Hayward 234).

La historia general de la película animada comienza con el uso de efectos de truco transitorios en películas alrededor del cambio de siglo. A medida que surgieron varios géneros (westerns, películas de persecución, etc.). Durante 1906-1910, aparecieron simultáneamente películas hechas completamente o en su mayoría mediante la técnica de animación.

Dado que la mayoría de las películas eran de un solo rollo, había poca diferencia programática entre las películas animadas y otras. Pero la tendencia de películas de múltiples rollos se desarrolló alrededor de 1912. Las películas animadas conservaron su duración de un rollo o menos.

Hasta la Primera Guerra Mundial, la animación fue un fenómeno completamente internacional. Sin embargo, después de aproximadamente 1915, los productores en Estados Unidos comenzaron a controlar el mercado mundial. En un cuarto de siglo, el cine mudo creó una tradición de comedia cinematográfica.

El cine llegó al final de un siglo que había presenciado un rico desarrollo de la comedia popular. Más tarde, las nuevas audiencias proletarias de las grandes ciudades de Europa y Estados Unidos encontraron su propio teatro en el music hall, variedades y comedias musicales. Con estas audiencias populares, la comedia se convirtió en una demanda constante.

Cuando la vida era mala, la risa era un consuelo; cuando era buena, querían disfrutar de todas formas. Las famosas tropas de comedia mímica del music hall, como los Martinettis, los Ravels, los Hanlon-Lees y los Comediógrafos Sin Palabras de Fred Karno, pueden verse como predecesores directos de las películas de slapstick de un solo rollo. Karno, de hecho, entrenó a dos de los mayores comediantes cinematográficos, Charlie Chaplin y Stan Laurel (Hayward 56-58).

El término "documental" no se popularizó hasta finales de la década de 1920 y 1930. Al principio se aplicó a varios tipos de práctica cinematográfica no ficción "creativa" en la era del cine clásico posterior a la Primera Guerra Mundial. Las películas originarias de esta categoría típicamente incluyeron "Nanook of the North" (1922) de Robert Flaherty, varias películas soviéticas de la década de 1920 como "El hombre con la cámara de cine" (Chelovek s kinoapparatom, 1929) de Dziga Vertov, "Berlin: Symphony of a City" (Berlin: die Sinfonie der Großstadt, 1927) de Walter Ruttmann, y "Drifters" (1929) de John Grierson (Cook 89).

Los primeros documentalistas utilizaron la linterna mágica para crear programas complejos y a menudo sofisticados a partir de una sucesión de imágenes fotográficas proyectadas. Las imágenes iban acompañadas de una narración en vivo, con un uso ocasional de música y efectos de sonido. Al comenzar el siglo XX, las películas fueron reemplazando gradualmente las diapositivas, lo que dio lugar a la nueva terminología.

La tradición documental precedió al cine y ha continuado hasta la era de la televisión y el video. De esta manera, fue redefinida a la luz de las innovaciones tecnológicas, así como en el contexto de las fuerzas sociales y culturales cambiantes. Las películas británicas de ese período fueron a menudo bastante sofisticadas, particularmente en los campos de la comedia y los actualidades. La edición narrativa, también, fue a menudo innovadora.

El desarrollo del cine mudo al sonoro marca un período de revolución en la historia del cine. La revolución puede datarse fácilmente del 6 de octubre de 1927, con el estreno en Nueva York de "El cantor de jazz" de Warner Bros., en la cual Al Jolson pronuncia la línea inmortal "¡Aún no has oído nada!" con una sincronización más o menos perfecta entre sus labios en la película y su voz grabada en paralelo en un disco (Hjort 90).

Los cineastas comenzaron a utilizar tecnología de sonido innovadora que produjo pánico en la industria cinematográfica. Al mismo tiempo, esto estimuló experimentos y esperanzas. Mientras disminuía la popularidad de las películas de Hollywood durante varios años, estimuló un renacimiento de la producción cinematográfica nacional en todo el mundo.

Este período en la historia del cine tiene características específicas que lo hacen único en comparación con los años anteriores y posteriores. La llegada del sonido en sí mismo, y sus implicaciones mundiales, es el primer aspecto a considerar. Luego se enfoca en el mundo de los estudios, cómo operaba el sistema - particularmente en Hollywood - y cómo se combinaron diferentes aspectos del cine durante el período de los estudios.

Los estudios no estaban completamente libres para hacer películas simplemente para el mercado. El sistema también se enfrentó a problemas para autorregularse y tener en cuenta las preocupaciones políticas, sociales y morales. Mientras otros países experimentaron censura política de diferentes grados de severidad, el cine de Hollywood sufrió relativamente poca interferencia del gobierno central.

En cambio, Hollywood se enfrentó a demandas cuidadosamente orquestadas para una limpieza moral y el riesgo de intervención por parte de juntas locales de censura (Neale 78-79). Junto con el diálogo hablado, la mayor innovación del cine sonoro fue la música sincronizada.

El arte de la ilustración musical que se utilizaba durante el período mudo fue transformado por la música sincronizada. Una diferencia considerable fue, ciertamente, que los cineastas comenzaron a utilizar la música como parte del mundo ficticio. Por ejemplo, ahora se podía introducir música cuando la película mostraba una orquesta o un actor interpretando una canción. Luego, el cine sonoro usaría música no solo para la imagen, sino también para el diálogo. La música se convirtió en pura ambientación.

La composición, interpretación y grabación estaban todas sujetas al control del estudio, y la producción de pistas musicales de alta calidad puede contarse como una de las mayores logros del sistema. Fuera de Hollywood, las pistas musicales solían ser menos pulidas. Pero los directores tenían más libertad para trabajar con compositores de su elección, y la música de Sergei Prokofiev para "Alexander Nevsky" (1938) de Eisenstein proporciona un interesante contraste con dos clásicas bandas sonoras de Warner Bros. del mismo período - "Las aventuras de Robin Hood" (1938) de Erich Korngold y "Casablanca" (1943) de Max Steiner.

El cambio más significativo en el cine mundial desde 1945 fue el producido por el colapso del sistema de estudios de Hollywood y de sus competidores e imitadores en otras partes. A principios de la década de 1960, el sistema de Hollywood estaba en un desorden severo. La disminución de las audiencias y una serie de fracasos costosos dejaron a los estudios importantes al borde de la quiebra o expuestos a adquisiciones hostiles.

Mientras los estudios experimentaban dificultades, nuevas empresas como American International Pictures emergieron. Estas compañías producían películas de bajo presupuesto destinadas al nuevo mercado juvenil y de autoservicio. Muchos nuevos géneros surgieron.

Una de esas innovaciones fue la película de carretera. Resultó ser influyente no solo en películas más comerciales de Estados Unidos, sino también en todo el mundo. La corriente principal misma se vio obligada a innovar, sacando inspiración tanto de la competencia de bajo presupuesto como de los nuevos cines que surgían en Europa.

En Europa, el evento más importante fue la repentina explosión en escena de la Nueva Ola francesa - la Nouvelle Vague - con primeras películas de Claude Chabrol, François Truffaut, Jean-Luc Godard y Alain Resnais que se sucedieron rápidamente en 1958 y 1959 (Hjort 123).

La Nueva Ola fue brevemente precedida en Gran Bretaña por el movimiento "Cine Libre", y fue seguida por el "Cine Joven Alemán" que anunció su existencia en el Manifiesto de Oberhausen de 1962 y continuó renovando el poco brillante cine occidental alemán más tarde en la década.

En Italia, el cambio fue menos repentino pero no menos significativo, con la creación de "La dolce vita" de Federico Fellini y "L'avventura" de Michelangelo Antonioni en 1960. Fue el comienzo de un nuevo cine de arte. Los cambios en la década de 1960 no se limitaron a Europa.

La Revolución Cubana en 1959 dio un impulso al crecimiento de nuevos cines en toda América Latina, notablemente en Brasil (Cook 45). En Japón, el sistema de estudios que había nutrido el trabajo de los grandes maestros como Mizoguchi y Ozu también estaba en crisis, y en la situación cambiante permitió la entrada en la escena mundial de directores como Nagisa Oshima, quien desempeñaría un rol en el cine japonés similar al de Godard en Francia.

Los nuevos cines ampliaron enormemente los límites del arte cinematográfico. Trajeron nuevas audiencias al cine, para las cuales las películas asumieron una importancia cultural sin precedentes. A lo largo de la década de 1960 y hasta la de 1970, el cine habló más directamente a estas audiencias principalmente jóvenes que cualquiera de las formas de arte más tradicionales.

Pero fuera de Italia, Francia e Inglaterra, el cine innovador con las nuevas realidades no fue popular. Debido a los límites en el tamaño de la audiencia, el nuevo cine tuvo que ser de bajo presupuesto o sostenido por subsidios (a veces ambos) para sobrevivir (Guneratne 67).

El período "nuevo" en el cine de Hollywood comienza con el lanzamiento en 1975 de "Tiburón" de Steven Spielberg. La película marcó el nacimiento de una nueva generación más joven de directores de Hollywood. Nacidos principalmente en la década de 1940, ambos estudiaron las películas del Hollywood clásico y fueron influenciados por los cineastas del cine mundial.

George Lucas y Steven Spielberg hicieron películas de gran éxito con principios clásicos. Uno de los cineastas más famosos de la década de 1980 fue Woody Allen. Allen hizo películas famosas, como "Interiores" (1978) y "Recuerdos del futuro" (1980).

Existe reconocimiento del hecho de que desde el comienzo, el cine se ha desarrollado de formas notablemente similares en todo el mundo. Pero también se reconoce que desde el final de la Primera Guerra Mundial en adelante, una industria cinematográfica - la estadounidense - ha desempeñado un papel principal en la creación del cine mundial.

Sin embargo, muchas naciones han creado sus propios géneros cinematográficos culturalmente identificables que resultaron extremadamente populares durante las décadas de 1970 y 1980. En la India, por ejemplo, un notable 250 empresas cinematográficas, utilizando más de 60 estudios, continuaron produciendo 700 películas al año durante toda la década de 1980 (Kindem 23).

El gobierno central fomentó la realización de películas indias requiriendo que todos los cines comerciales proyectaran al menos una película india por función. Un sistema de estrellas, muy similar al de Hollywood en las décadas de 1930 y 1940, es fuerte en todas partes del mundo.

De hecho, las estrellas indias que trabajan en varias producciones al mismo tiempo pueden convertirse en extremadamente ricas. Las naciones sobrevivieron principalmente aprendiendo del cine de Hollywood. Al mismo tiempo, Europa produjo un producto que correspondía a necesidades que el cine de Hollywood no podía satisfacer.

Los países asiáticos han sido fuertes productores de cine. Hong Kong, un país de solo 5 millones de personas, produce más películas que Hollywood. En la década de 1990, los ciudadanos de Hong Kong veían películas de Hollywood y producciones locales en números aproximadamente iguales.

En la década de 1980, las películas de artes marciales de Hong Kong se distribuyeron en todo el mundo en grandes cantidades. Con sistemas de radiodifusión combinados con el auge de servicios distribuidos por satélite, Hollywood penetra incluso en estos mercados.

Hollywood produjo los íconos más famosos del mundo, como Steven Spielberg y Arnold Schwarzenegger. Con su control internacional, las corporaciones de Hollywood podrían y definirían los estándares de estilo, forma y contenido cinematográficos.